Expressionnisme abstrait : une collaboration avec Cultured Mag

Chez Outsider Supply, nous sommes ravis de revisiter une collaboration passée avec le magazine CULTURED. Notre précédente collection célébrait trois artistes emblématiques du mouvement expressionniste abstrait qui ont détrôné Paris et fait de New York le centre de l'art occidental au XXe siècle. Lee Krasner , Jackson Pollock et John Chamberlain , chacun pionnier à leur manière, ont créé leur art comme « l'énergie et le mouvement rendus visibles... Des souvenirs figé dans l'espace », comme le disait Pollock. Cette collection rend hommage à leur mémoire et à leur impact durable sur l'esprit artistique en constante évolution.

Pour les non-initiés, l'expressionnisme abstrait est apparu au lendemain de la Seconde Guerre mondiale comme un mouvement rebelle et singulier. Comme beaucoup d'idées d'après-guerre, il rompait avec les procédés et conventions soigneusement calculés du passé en privilégiant l'authenticité par l'immédiateté de l'expression. Une célébration de la spontanéité subconsciente qui poussait les présupposés du surréalisme à leur conclusion logique. Les œuvres elles-mêmes représentaient des révélations des sentiments les plus profonds de l'artiste – des créations authentiques et automatiques. Pollock l'a parfaitement décrit ainsi : « Aujourd'hui, les peintres n'ont pas besoin de se tourner vers un sujet extérieur à eux-mêmes. Ils travaillent à partir d'une source différente. Ils travaillent de l'intérieur. »

Lee Krasner

Lenore « Lee » Krasner vivait comme elle peignait : contre toute convention. À 14 ans, elle décida de faire carrière dans l'art, une idée inédite à l'époque pour quiconque, et encore moins pour une femme. Lors d'une interview, Krasner se souvenait que son professeur Hans Hofmann avait déclaré à propos de son travail : « C'est tellement bon qu'on ne dirait pas qu'il a été réalisé par une femme. » Malgré cela, Krasner s'est fait connaître grâce à son style en constante évolution, contrairement à ses contemporains expressionnistes abstraits, qui développaient un style signature qu'ils reproduisaient. Sa capacité à vivre à travers ses œuvres en réfléchissant à ses expériences personnelles dans son processus artistique fait d'elle une visionnaire à part entière.

Kranser a débuté sa carrière comme peintre réaliste classique, démontrant une solide maîtrise technique et un attachement aux formes traditionnelles. Après ses études, elle s'est rapidement tournée vers l'abstraction grâce à son mentor Hans Hoffman, figure emblématique de l'art moderniste, qui l'a initiée au cubisme et au fauvisme. Il l'a encouragée à expérimenter avec la couleur et la forme, ce qui l'a amenée à développer un style « all-over » où Krasner recouvrait la toile entière de motifs abstraits évoquant souvent des formes naturelles.

C'est à cette époque qu'elle rencontre Jackson Pollock et tombe amoureuse de lui. Leur style commence à s'influencer mutuellement. On le retrouve dans la série « Petites Images » de Krasner, composée d'œuvres de petit format aux motifs complexes et aux coulures de peinture. Onze ans plus tard, Pollock meurt tragiquement dans un accident de voiture, et Krasner continue de peindre malgré son chagrin, affirmant : « La peinture n'est pas séparée de la vie, elle en fait partie. C'est comme se demander si je veux vivre. Et la réponse est oui, alors je peins. »

Elle continua d'innover tout au long des années 1960 et 1970, intégrant des techniques de figuration et de collage à ses œuvres grand format. Son style devint de plus en plus expressif, traduisant souvent sa douleur par des traits audacieux et des couleurs vibrantes. Malgré tout, ce n'est que dans les années 1980 que Kranser fut reconnue pour sa contribution au renouveau de l'expressionnisme abstrait. Quatre ans après sa « découverte », Krasner laissa derrière elle un héritage abondant d'œuvres illustrant l'évolution de son style au fil de ses œuvres – vie et art étaient pour elle indissociables.

Jackson Pollock

Tout comme Krasner, Jackson Pollock a vécu à travers son art. Célèbre pour ses peintures au goutte-à-goutte et son style libre, Pollock a commencé à travailler sous la direction de son mentor Thomas Benton, qui l'a inspiré à explorer les paysages américains représentant la vie naturelle. Plus tard, dans les années 1930, Pollock s'est tourné vers des artistes plus modernistes comme Picasso et Joan Miró, expérimentant des formes semi-abstraites intégrant des motifs issus de l'inconscient. Mais ce n'est qu'en 1945, lorsque Pollock a épousé Krasner et qu'ils ont emménagé dans leur résidence d'East Hampton, qu'il a développé sa technique de goutte-à-goutte.

Caractérisée par le versement ou l'éclaboussure de peinture sur une toile horizontale, cette méthode lui permettait d'interagir physiquement avec la toile, créant une impression de mouvement et de spontanéité révolutionnaire à l'époque. Les peintures au goutte-à-goutte de Pollock, ou « peintures d'action », peuvent être décrites comme l'acte même de peindre intégré à l'œuvre. Son approche n'était pas simplement aléatoire ; Pollock conservait un certain contrôle sur les éléments chaotiques de son œuvre, cherchant à exprimer son trouble intérieur et ses émotions sous des formes abstraites. Il utilisait souvent des peintures industrielles comme l'émail alkyde et divers objets en remplacement des pinceaux pour obtenir des styles de goutte-à-goutte spécifiques selon les besoins. Malgré sa vie tumultueuse marquée par l'alcoolisme et des difficultés personnelles, l'œuvre de Pollock a été saluée à titre posthume. Il reste un modèle pour ceux qui cherchent à fusionner vie et art, incarnant l'idée que l'expression artistique peut être une extension de l'être.

John Chamberlain

John Angus Chamberlain était une figure emblématique de la sculpture américaine, réputé pour son utilisation innovante de pièces automobiles usagées pour créer des sculptures vibrantes et dynamiques, à la croisée de l'expressionnisme abstrait et du minimalisme. Ses œuvres, caractérisées par du métal torsadé et écrasé, transformaient l'énergie gestuelle de la peinture en formes tridimensionnelles, soulignant le potentiel expressif de la couleur et de la matière. L'approche de Chamberlain était instinctive et spontanée, proche des techniques de collage et d'assemblage, lui permettant de manipuler l'échelle et la forme d'une manière qui remettait en question les notions traditionnelles de sculpture. Sa première œuvre marquante, Shortstop, a ouvert la voie à une carrière prolifique qui a exploré divers matériaux, dont la mousse et le plexiglas, tout en conservant un engagement envers la couleur comme partie intégrante de son expression artistique.

L'influence de Chamberlain sur l'art s'étend au-delà de son style sculptural unique ; il a redéfini l'utilisation des matériaux du quotidien dans les beaux-arts, donnant un sens nouveau à ce qui était souvent qualifié de « déchet ». Son œuvre a inspiré toute une génération d'artistes à explorer les limites de la matérialité et de la forme, contribuant ainsi significativement au discours sur l'art américain d'après-guerre. Les titres ludiques de ses œuvres reflétaient souvent un sens de l'humour et une réflexion culturelle qui trouvaient un écho auprès du public. Aujourd'hui, l'héritage de Chamberlain est célébré pour sa profonde influence sur la sculpture contemporaine, ses pratiques innovantes continuant d'inspirer les artistes qui cherchent à repousser les limites de leur médium tout en abordant les thèmes de la beauté et de l'abstraction.

Il faut garder à l'esprit que les mouvements artistiques émergent involontairement, au gré des circonstances. Qu'il s'agisse du Bauhaus, de Barbizon ou de Cedar Tavern, les artistes gravitent vers certains espaces, par hasard ou par des idéaux communs. Quelle que soit la raison, ils finissent par se regrouper pour former une masse critique et se relayer mutuellement, donnant naissance à un mouvement totalement nouveau, différent de tout ce qui l'a précédé.

Pour les expressionnistes abstraits des années 1940-1960, c'était les Hamptons. Un décor pittoresque qui leur permettait d'échapper à l'agitation de New York et de ne pas être distraits par leur inspiration. Difficile de dire qui en fut l'initiateur, mais l'installation de Pollock et Krasner dans le quartier en 1945 ne fit qu'accélérer son développement comme havre de paix pour les artistes. À cette époque, le Hampton Bays Art Group existait déjà depuis quatre ans, prêt à accueillir les nouveaux venus. L'environnement compte autant que la nourriture que l'on achète : on est ce que l'on mange après tout. Et quand on a pour voisin d'à côté Willem de Kooning, il est presque impossible de ne pas être inspiré.

La création et l'entretien de ces espaces sont essentiels à l'épanouissement de l'esprit créatif : aucun artiste n'est isolé. C'est pourquoi nous tenons à saluer les efforts de Cultured Mag en ce sens. Ils s'efforcent de révéler de nouveaux artistes, designers et tendances culturelles avant qu'ils ne soient largement reconnus. Cultured Mag commande également des œuvres en édition limitée à des artistes, comme ils le font déjà avec nous ! C'est grâce à la création et à la conservation de ces espaces que les artistes et les mouvements s'épanouissent et prennent vie, et c'est pourquoi nous sommes ravis de nous associer à Cultured Mag pour cette initiative .